Dance Open 2019
Последние две недели апреля в Петербурге прошли под знаком современного балета: фестиваль Dance Open, отмечающий в этом году свое совершеннолетие, собрал интересную программу, о которой мы постараемся подробно рассказать в нашей статье.

Текст — Вита Хлопова
Фотографии — Ирина Туминене

16 мая 2019
Фестиваль Dance Open, ежегодно занимающий добрую половину апреля, в этом году достиг своего совершеннолетия. За это время балетоманы могли изучить репертуарные жемчужины многих европейских балетных трупп. Важно, что фестиваль не ставит перед собой задачу привезти самые топовые имена, на которые российский зритель обязательно купит билет, но познакомить нас с той прослойкой современного балета, о которой у нас не всегда знают. Привезти и распродать под sold-out Парижскую Оперу не так сложно, а вот заполнить зал на премьеру балетной труппы из Цюриха — это уже задача для смелых. Но надо сказать, Dance Open всегда достойно с этим справлялся: публика неизменно скупает билеты в первые часы продаж, а ухватить удачу, чтобы попасть на финальный гала-сюрприз, где до последнего не объявляют состав исполнителей, невозможно минут через 15 после старта продаж.
Из всех фестивалей Dance Open является одним из самых продолжительных (не считая, конечно, «Золотой маски», растягивающейся на несколько месяцев): если обычно программа любого фестиваля укладывается в рабочую неделю, то здесь у нас насыщенные полмесяца, где помимо спектаклей можно еще и нырнуть в богатую off-программу. Лекции, выставки, мастер-классы, встречи с хореографами — все это тоже проходит с неизменной приставкой «извините, регистрация окончена».

Еще одна особенность в том, что Dance Open не зацикливается только лишь на международной программе и привозит из года в год свежие премьеры ведущих театров России: Пермского Балета, Большого театра или Урал Оперы Балета. Для многих петербургских (да и московских) балетоманов — это редкий шанс увидеть то, чем гордится русский балет за пределами главных театров страны.

Сцена из балета Кристиана Шпука «Зимний путь»
Фотография — Ирина Туминене
Открылся фестиваль новым спектаклем немецкого хореографа Кристиана Шпука «Зимний путь» в исполнении труппы Балета Цюриха. Этот хореограф достаточно хорошо известен российскому зрителю: в 2016 году МАМТ им. К. С. Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко показывал его версию «Анны Карениной». После этой Анны у многих не было больших ожиданий насчет хореографической фантазии Шпука, но, видимо, любопытство взяло свое: в зале Александринского театра не было ни одного свободного места.
Шпук взял в качестве музыкальной основы, название которой и вынес в заголовок, знаменитый вокальный цикл Шуберта «Зимний путь» в композиторской интерпретации Ханса Цендера. Перевод текстов 24 песен транслировался на экранах, расположенных сверху сцены, что, конечно, немного отвлекало от изучения того, что происходило на сцене. А там было много любопытного: Шпук, не сумев выстроить цельную драматургию на полтора часа, очень изящно «разбросал» по всему балету множество занимательных решений и композиций, которые хотелось рассматривать и разгадывать. В «стерильном», обрамленном бетонными стенами пространстве возникали странные, порой, инфернальные фигуры, а дуэты плавно перетекали в трио, квартеты и массовые номера, не задаваясь целью рассказать какую-то связную историю.

Интересно было, как хореограф вдруг впускал по заднему периметру сцены какого-то персонажа, который пока длился номер, очень медленно шел. С одной стороны, смысловой нагрузки он мог и не нести, с другой — не переносить на него свое внимание с танцующих впереди людей  было невозможно. Потом, словно 25-м кадром между этими красивыми номерами, из которых была соткана постановка, он включал какую-то сюрреалистическую сцену, где, к примеру, шел человек с рюкзаком из чучела оленя в то время, как другие артисты несли на голове гнезда из прутьев. Некоторые из массовых композиций были частично исполнены на утопающих под сцену платформах, создавая, таким образом, танец на несколько уровней.
При том, что визуально работа Шпука была невероятно красива, целиком ее воспринять без утомления было довольно сложно. То ли цикл Шуберта под фонограмму, то ли бессюжетные перетекания из одного дуэта в другой не способствовали концентрации внимания. Но чем Балет Цюриха удивил, так это своим невероятным качеством: артисты труппы в потрясающей форме, что даже не получается отдельно отметить кого-то одного. Конечно, и Шпук знает достоинства своей труппы, опираясь в сочиненных фрагментах только на самые сильные стороны того или иного артиста. И было особенно радостно видеть, как гармонично вписалась в труппу бывшая солистка Пермского балета Инна Билаш. И кажется, рано мы списали Шпука в разряд «средних европейских хореографов»: после этого спектакля хочется изучить и другие, ведь хореографически он очень интересно мыслит.
Второй вечер фестивальной программы принадлежал Пермской балетной труппе и работе Алексея Мирошниченко «Щелкунчик». Мирошниченко любит пересматривать старые балетные сюжеты и выстраивать их немного под другим углом: так, многие помнят, что его «Золушка» перенеслась в советское время, здесь же сюжет развивается в 1892 году в Петербурге (именно в этом году в Мариинском театре состоялась реальная премьера «Щелкунчика»). Здесь вся история с Щелкунчиком происходит во сне Мари, причем сне чуть приболевшего ребенка: именно поэтому мыши в балете такого «болезненного» зеленоватого цвета.
Хореограф Мирошниченко в этой работе, кажется, все силы отдал на финальный сложнейший дуэт Мари и Принца, где труднейшие верхние поддержки перемежаются с быстрыми и замысловатыми вращениями. При этом хореографическая фантазия в других номерах ограничивалась стандартными «связками» из балетного утреннего класса, причем часто повторяющимися по всем правилам балетного урока, с двух «ног».

Полина Булдакова и Габриэл Лопес в балете Алексея Мирошниченко «Щелкунчик»
Фотография — Ирина Туминене
«Вальс цветов», к примеру, был странно выстроен композиционно: все средние прыжки солирующих артистов не были видны за обрамляющими их по кругу артистками. Получалось, что даже если и там было что-то сложное для исполнения, то в общей свалке артистов зрители просто не смогли разглядеть этого. С другой стороны, прекрасно был оформлен момент с куклами во сне Мари и танцующими артистами на площади в самом финале. Их схематичные костюмы с четкими линиями и яркими цветами превратились в реальной жизни в обыкновенные, нетеатральные, приглушенные наряды. Как будто сознание Мари просто преобразовало увиденное в реальности в более очерченное и прорисованное.
Такой ход не нов: к примеру, у Йохана Ингера в балете «Петрушка» было уже такое «превращение», но здесь он был очень уместен и, главное, тонко размещен. Другой отличный ход, хоть и робко не доведенный до конца, это оформить «Вальс снежинок» в стиле Басби Беркли, у которого каскады одинаковых белоснежных костюмов передвигались обычно в разных плоскостях. Конечно, вероятно, у Мирошниченко и не было такого замысла, но намек на Беркли был очевиден, и ужасно хотелось, чтобы эту идею (красивую и визуально очень привлекательную) довели до ума.
Полина Булдакова — главная прима театра — очень органично смотрелась в главной партии, технически справляясь со всеми хореографическим сложностями и прекрасно существующая актерски в этом образе. Но если рассматривать многих других сольных исполнителей различных партий (в частности, дивертисмент кукол), то сделать такой же комплимент по исполнению, к сожалению, было невозможно.

В итоге, целиком концепцию нового «Щелкунчика» можно, несомненно, считать удачей театра, но, вероятно, на «родной» сцене и с оркестром вся балетная труппа исполняет эту постановку более уверенно.

Полина Булдакова в балете Алексея Мирошниченко «Щелкунчик»
Фотография — Ирина Туминене
«Алиса» в исполнении Балета Дортмунда стала, наверное, самым запоминающимся спектаклем фестиваля: столько диаметрально противоположных мнений не было озвучено ни про какой другой спектакль. Хореограф Мауро Бигонцетти взял сложносочиненный сюжет Льюиса Кэрролла, но кажется, не понял, как разбираться со всеми этими героями, просто вывалив их всех вместе на сцену. История разделена для двух разных по возрасту Алис, которые по-разному воспринимают происходящее вокруг. Для незнающих историю — понять ее по спектаклю будет невозможно. Но если честно, и для знающих — разобраться в быстром темпе повествования было сложно. Хореография Бигонцетти была откровенно халтурна: казалось, он собирал танцевальные связки в очень поспешном темпе.
Но главным открытием и достоинством спектакля стали вовсе не танцовщики дортмунского балета, а музыканты из итальянской фолкгруппы Assurd, присутствовавшие на сцене с самого начала постановки. Казалось, мы присутствовали на невероятном музыкальном шоу, где артисты балета играют второстепенную роль. К слову, это был единственный спектакль всего фестиваля с живым музыкальным сопровождением, что, конечно, сразу придает постановке совсем другое настроение. Но понять, почему на фестивале, который длится две недели и плотно забит спектаклями, нет привозного оркестра от каждой труппы, очень просто: тогда бы фестиваль автоматически сокращался в два или три раза.

Хедлайнером фестиваля выступил балет «Коппелия», который привез нам Венский государственный балет. Этот знаменитый балет авторства Артура Сен-Леона возобновлял известный балетный реставратор Пьер Лакотт, и еще более это было интересно потому, что в Большом театре идет другая восстановленная версия авторства Сергея Вихарева. Конечно, вопрос о подлинной реставрации достаточно деликатен и до сих пор ведутся споры о том, возможно ли полностью восстановить тот или иной старинный спектакль. Как бы то ни было, спектакль, привезенный командой Манюэля Легри, был очарователен. Постановка буквально испещрена мелкой техникой (которой во времена Сен-Леона и быть не могло, конечно) и сложнейшими балетными элементами (поставить балерину с développé в профиль в позицию à la seconde — это, конечно, можно только при полной уверенности в этой балерине, а к слову Наташа Маир, что исполняла партию Сванильды в первом составе, стала открытием фестиваля).

Наташа Маир и Алексис Форабоско в балете «Коппелия»
Фотография — Ирина Туминене
При этом, если сольные партии технически были феноменально трудны (мучением для артистом являются пируэты с четкой остановкой с открытием ноги в à la seconde, например) для исполнения, то многочисленным народно-сценическим номерам не хватало размаха. Казалось даже, что родная сцена венской оперы может быть шире, а тут артистом приходиться ютиться, что влечет за собой более «куцые» движения, но оказалось, что сцена Александринки ничем не меньше, а значит «куцой» вышла хореография. А сравнивая две версии — Лакотта и Вихарева, — можно наглядно заметить, как одно и то же описание сцены способно трансформироваться в совершенно разные визуальные образы.
Знаменитая голландская труппа Introdans нередко приезжает в Россию, показывая нам лучшие работы известных голландских мастеров, но на этот раз программа, подготовленная для фестиваля, была абсолютно уникальна для нашего зрителя. «Пение» Нильса Кристе, «Польские пьесы» Ханса ван Манена и Conrazoncorazon Каэтано Сото были впервые показаны в Санкт-Петербурге.
«Пение» Нильса Кристе на музыку Арво Пярта показало состояние всей труппы: 30-минутная бессюжетная работа, исполненная как будто бы без остановки, переливаясь из кулисы в кулису, иногда удивляла композиционно. Кристе брал красивый ход, который в Introdans довольно часто используют: одна пара заканчивает дуэт определенными движения, уходя в левую, к примеру, кулису, а в это же время следующее трио выбегает на сцену теми же движениями, но из правой кулисы, таким образом, как будто продолжая бесконечный рассказ хореографа. В финале белая шелковая материя поглотила всех, не оставив на сцене никого, поэтому если вдруг вы думали, что этот спектакль о мимолетности жизни от рождения до смерти, оно вполне могло так и быть.

Сцена из спектакля «Пение» Нильса Кристе.
Фотография — Ирина Туминене
Яркие и динамичные «Польские пьесы» уже приезжали в Россию в исполнении, правда, другой труппы — Alvin Ailey dance company, но и здесь резаная комбинация, исполненная, словно на повторе, несколько раз подряд, с фотографичными tendu в effacé, произвела должный эффект. Тот же эффект произвел и финал постановки: внезапный, как будто бы купированный в половине музыкальной и хореографической связки.
Работа с непереводимым на русский язык называнием Conrazoncorazon Каэтано Сото предворялась 3-минутным веселым клипом, снятым по мотивам его хореографии.

Сцена из спектакля «Польские пьесы» Ханса ван Манена.
Фотография — Ирина Туминене
В этом шутливом номере слились на одной сцене эстетики Охада Наарина, Боба Фосса, бродвея и все того же Басби Беркли. Цельной идеи здесь никакой не было, скорее, каскад характеров, танцев и костюмов. Для завершения фестивальной программы — вполне себе живой пример того, что танец может быть веселым.
Но DanceOpen не может пройти без своего знаменитого гала-концерта, куда уже многие годы съезжаются лучшие мировые балетные звезды и друзья фестиваля. Участников гала узнают зрители, купив программку, но никогда особо разочарований не было. Увидеть в России за один вечер российских, европейских и американских звезд балета практически нереально, именно поэтому и мест свободных в зале не было. Программа гала была собрана интересно: из известных падеде были только «Дон Кихот» и «Пламя Парижа», а вот остальное было если не новым, то, может, и малоизвестным широкой публике. Не обошлось и без фламенко (Farruca a tres), и даже без латиноамериканских зажигательных танцев (Proud Mary в исполнении Антонины Скобины и Дениса Дроздюка). Самый известный европейский хореограф этого года — Марко Геке — представил работу «Венгерские танцы» и показалось, что это чуть ли не единственное его произведение, увиденное в этом году, которое не раздражало своим фирменным трясущимся стилем. В итоге, он стал одним из лучших номеров гала-концерта. Танцевальный театр Оснабрюка развлекал зрителей своими танцевальными гэгами и карнавальным юмором, а вот поставленный специально для фестиваля номер «Токката» польского хореографа Кшиштофа Пастора очень удивил: вроде бы и узнаваемая неоклассическая лексика, но при этом номер вышел каким-то цельным и аккуратным.
Но героями вечера были безусловно Даниил Симкин и Татьяна Мельник, вышедшие в Гран Па из балета «Дон Кихот». Симкин так грандиозно и легко отпрыгал все свои вариации, что, казалось, он абсолютно не устал. Быть его партнершей в этом Гран Па было опасно: вполне за его прыжками, заполонившими всю сцену, можно было и не заметить, кто с ним танцевал. Но каждый раз выходя на сцену, Татьяна Мельник, прима Национального балета Венгрии, своим апломбом, сценической уверенностью и прекрасной техникой отнимала у Даниила долю внимания.
Дефиле артистов, принимавших участие в программе гала-концерта, завершил фестиваль, а вот награждения хрустальной туфелькой нас ждет только в следующем сезоне.

Татьяна Мельник и Даниил Симкин в pas de deux из балета «Дон Кихот»
Фотография — Ирина Туминене
Хочется лишь пожелать всей команде, работавшей над этим фестивалем, сил и вдохновения для следующего года. Ведь с таким обилием гастролей и фестивалей современного балета российского зрителя становится все сложнее и сложнее удивить. Но пока DanceOpen с этим прекрасно справляется.
Made on
Tilda